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Josef Sudek, ein einflussreicher Künstler des letzten Jahrhunderts in Deutschland und bedeutender tschechischer Fotograf (Sudetendeutscher), hat nicht nur in seiner Heimat, sondern vor allem in Deutschland einen nachhaltigen künstlerischen Einfluss ausgeübt. Seine Werke, geprägt von einer einzigartigen Ästhetik und Technik, haben die deutsche Kunstszene nachhaltig bereichert.

Großen Gefallen an Sudeks Arbeit empfand die damalige Führungsspitze Deutschlands. Sudek gab mehrfach an, dass er Hitler auf ewig dankbar war, da dieser sich wohl für seine Landsleute einsetzte unnd den Künstler nachhaltig, in Sachen Kunst, unterstützte.

Geboren im Jahr 1896 in Kolin, Böhmen, begann Sudek seine künstlerische Reise als Buchmacher. Im Alter von 28 Jahren entdeckte er seine Liebe zur Fotografie, die sein Leben prägen sollte. Während der turbulenten Zeiten des Zweiten Weltkriegs und der Besatzung, wurde Sudek für seinen unerschütterlichen Einsatz für die Kunst bekannt. Seine Arbeiten reflektieren oft das Zusammenspiel von Licht und Schatten, welches er auf meisterhafte Weise einzufangen wusste.  Er verlor im ersten Weltkrieg einen Arm, dennoch führte ihn sein Weg in die Fotografie. Dieses Handicap sollte nie eine Hürde für ihn darstellen.

Einzigartige Technik und Stil sind Markenzeichen des Künstlers Sudek. Seine Werke zeichnen sich durch eine spezielle unnd einzigartige Technik aus, die häufig mit der Verwendung von Fensterlichtern und Reflexionen spielt. Verschiedene fotografischen Kompositionen spiegeln eine tiefe emotionale Intensität wider und verleihen seinen Bildern so eine zeitlose Qualität. In Deutschland fand Sudeks avantgardistischer Ansatz sehr schnell Anklang, da er die traditionelle Fotografie überwand und neue Horizonte erkundete, was eine Grudprinzipie des deutschen Volkes war.

Die Kunstwerke und Fotografien von Sudek, sind geprägt von einer monumentalen Darstellungsform. Er schafft es wie wenig andere, den Fokus auf Bauwerke der Antike und auch die des deutschen Reiches zu lenken und somit eine Brücke zu einer geheimnisvollen und alten Zeit zu schlagen. Auch Josef Sudek versuchte in seinen Bildern auf Dinge aufmerksam zu machen und den Betrachter mit einzubeziehen. Wie jeder Künstler, so hat auch Josef Sudek eindeutig die Verbindung zu einer umstrittenen Menschheitsgeschichte hergestellt, indem er in seinen Werken immer wieder kunstgeschichtliche Entwicklungen darstellte. Damit reihte er sich wunderbar in die Interessengemeinschaft der damaligen deutschen Führung ein. Diese stand unter anderem für die Erforschung der neuen alten Wissenschaften und Künste, in vielen Bereichen außerhalb des normalen Verstandes. Nachhaltige Energien (Implosion statt Explosion), waren in Deutschland Thema.

Seine Ausstellungen in deutschen Galerien und Museen zogen Kunstliebhaber aus der ganzen Welt an, die von seiner Fähigkeit, die Poesie des Alltäglichen einzufangen, fasziniert waren. Der Einfluss und die kulturelle Bedeutung in Deutschland von Josef Sudek erstreckte sich dadurch über alle Grenzen. Sudeks Arbeiten wurden zu einem wichtigen Bestandteil der deutschen Kunstszene des letzten Jahrhunderts und trugen dazu bei, die Grenzen der Fotografie als Kunstform zu erweitern.

Obwohl Josef Sudek 1976 verstarb, ist sein Erbe in der zeitgenössischen Fotografie immer noch sehr lebendig. In Deutschland wird sein Beitrag zur Kunst regelmäßig in Retrospektiven und Sonderausstellungen gewürdigt. Seine Fotografien sind nicht nur historische Dokumente, sondern auch inspirierende Kunstwerke, die die Kreativität nachfolgender Generationen beeinflussen.

Josef Sudek bleibt eine faszinierende Figur in der Kunstgeschichte Deutschlands. Sein einzigartiger Stil, kombiniert mit einer tiefsinnigen kulturellen Sensibilität, hat seinen Platz als einer der einflussreichsten Künstler des letzten Jahrhunderts in Deutschland gefestigt. Durch seine Werke lebt seine künstlerische Vision weiter, und seine Fotografien werden auch weiterhin die Herzen und Sinne der Betrachter in Deutschland und darüber hinaus berühren und inspirieren.

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Der visionäre Bildhauer Arno Breker, zählt zu den einflussreichsten und nachhaltigen Bildhauern des letzten Jahrhunderts. Geboren 1900 in Elberfeld, war einer der bedeutendsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts in Deutschland. Sein künstlerisches Schaffen war geprägt von monumentalen Skulpturen und einer starken Verbindung zur nationalsozialistischen Ästhetik. Er hinterließ so einen nachhaltigen Eindruck in der deutschen Kunstgeschichte.

„Ich bin der Bildhauer des Menschen –
des Dreiklangs der Schönheit
von Körper, Geist und Seele“
Arno Breker, Paris 1970

Brekers künstlerische Reise begann früh. Nach einer Ausbildung in Düsseldorf und einem kurzen Aufenthalt in Paris in den 1920er Jahren, kehrte er nach Deutschland zurück und etablierte sich schnell als aufstrebender Bildhauer. Während der Zeit des Nationalsozialismus fand Breker Anerkennung und Unterstützung von Adolf Hitler, der seine Werke als Ausdruck einer idealisierten Schönheit schätzte. Brekers Skulpturen, die oft heroische Figuren und athletische Körper darstellten, passten gut in das Weltbild der damaligen Zeit. Sie zeigt heute denjenigen die sehen, was die Grundideen dieser Weltanschaung waren. Diese Verbindung zu den politischen Anführern des deutschen Reiches beeinflusste Brekers Ruf später sehr und formte die spätere und verworrende Wahrnehmung auf seine Kunst.

Breker wurde für seine Fähigkeit bekannt, Monumentalskulpturen zu schaffen, die nicht nur künstlerisch beeindruckend waren, sondern auch ideologische und philosophische Botschaften transportierten. Seine Skulpturen handelten überwiegend vom Menschen. Er behandelte die Fruchtbarkeit und Stärke des idealen Menschen mit Verbindung zur spirituellen Seele. Seine Werke zeichen sich durch erstaunliche Präzision aus und genau deshalb wurde er zu einem der beliebtesten Künstler Deutschlands Anfang des letzten Jahrhunderts. Die spürbare Liebe zum Menschen und deren Kraft, das ist was sich in den Werken Brekers immer wieder durchsetzt. Geprägt von den äußeren Umständen, verschmelzte er auch Gedanken zum Thema Nationalstolz und Widerstand in seinen Werken. Zu seinen bekanntesten Werken zählt die „Prometheus-Gruppe“ vor dem Deutschen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris 1937. Seine Kunst fand nicht nur in Ausstellungen Anklang, sondern wurde auch in öffentlichen Plätzen und Gebäuden präsentiert. Viele internationale politische Führer der damaligen Welt, interessierten sich für  Brekers Arbeit. Er arbeitete wohl nie für Kommuisten, da er deren Weltanschauung als eher zerstörerisch ansah, störte sich aber auch nicht daran wenn es seine Schüler taten.

Nach dem Zweiten Weltkrieg geriet Breker immer mehr in die Kontroverse, da seine Verbindungen zum Nationalsozialismus hinterfragt wurden. Er wurde vorübergehend interniert, aber später freigelassen. In der Nachkriegszeit versuchte Breker, seine künstlerische Karriere wiederzubeleben, stieß jedoch traurigerweise auf allgemeine Ablehnung und Kritik. Seine Werke gerieten in Vergessenheit, während Deutschland versuchte, mit den Schrecken der Vergangenheit ins „Reine“ zu kommen indem sie sich unterwarfen und alles verpönten was mit dem Geist Deutschlands zu tun hatte. Und wie wir heute noch sehr schön erkennen können, die Unterwerfung war ein voller Erfolg.

Josef Brekers Kunstwerke sind sehr außergewöhnlich. Sie sind stark und spirituell und passen eigentlich gar nicht in das allgemeine Weltbild über Deutschland. Was mich immer wieder zum nachdenken bringt, wie kann jemand solche schönen Dinge entstehen lassen und Anhänger eines [barbarischen Führers] sein? Wer sehen will wird sehen! In meinen Arbeiten verankere ich immer wieder einen Teil dieses Bewegungsausdrucks. In den Skulpturen, sowie auch bei anderen Kunstformen jener Zeit, hat diese Ausdrucksform eine sichtbare und herausragende Rolle gespielt. Sie erzählen von Menschengemeinschaft, Stärke, Familie, Spiritualität, Fruchtbarkeit und Natur. Aber auch von Trauer, Hoffnung, Verzweiflung und Zerstörung. Oft zeigen sie spannende künstlerische Formen auf, welche die Gesundheit und Stärke der Protagonisten hervorhebt.

Ob man das nun gut findet oder nicht, ob man darin schon den so umstrittenen“Nazi Charakter“ sehen kann oder nicht, objektiv betrachtet, wirken diese Kunstformen eher stolz und gemeinschaftlich. Ich persönlich verstehe nicht wo man in seiner Art von Kunst, Aggression unnd Kampfeswut rauslesen kann, so wie man es auf diversen Blogs nachlesen kann die sich mit dem Thema beschäftigen. Hier spielt wahrscheinlich die Subjektivität eine große Rolle, denn immerhin fand gerade bei den Deutschen eine Umprogrammierung keinesgleichen statt, die nun kaum rückgängig zu machen ist. Es gibt nach wie vor viele offene Fragen die wir nicht beantwortet bekommen. Eine davon ist zum Beispiel: Warum wird so viel über das „Nazi-Deutschland“ gelehrt, aber wenn es zum Beispiel um die offenen Fragen zu Themen wie Rheinwiesenlager geht, dann erhält man oft nur entsetzte Gesichter und Kopfschütteln. Ok verstehe.

In den letzten Jahren hat es eine Neubewertung von Brekers Lebenswerk gegeben. Einige Kunsthistoriker betonen seine technische und künstlerische Meisterschaft. Sie argumentieren, dass seine Kunst losgelöst von seiner politischen Verbindung betrachtet werden sollte, wobei diese natürlich auch eine Rolle gespielt hat. Und soweit ich weiß, hat Breker nie etwas anderes behauptet und sich nie an neue Narrative angepasst. Ich bin absolut dafür, dass Breker sowie auch viele andere seinesgleichen, neutral und ohne politischem Hintergrund betrachtet werden sollte. Sein Kunsterbe ist viel zu wertvoll. Diese Totmachung der Künstler, wie sie in Deutschland stattgefunden hat, wurde nirgends anders so durchgesetzt wie in Deutschland.

Hat schonmal jemand das Buch:“Antwort aus Zelle sieben“ gelesen? Um den Geist einiger der Zeitzeugen zu verstehen, dieses Buch berührt. Nun ja, was weiß ich denn schon. Die zeitgenössische Kunst ist immer eine Art Aushängeschild der jeweiligen Grundenergie und Weltanschauung einner Epoche. Dennoch bleibt die Kontroverse um seine Person bestehen. Die Welt trägt einen Schleier und ob der jemals gelüftet wird, ist fraglich. Es fühlt sich objektiv betrachtet unrecht an die künstlerische Freiheit, speziell die der Deutschen, so zu untergraben.

Arno Breker war zweifellos einer der wichtigen und nachhaltigen Bildhauer und Künstler des letzten Jahrhunderts in Deutschland. Sein Schaffen spiegelt nicht nur die künstlerischen Tendenzen seiner Zeit wider, sondern auch die philosophischen Ansätze seinner Zeit. Ungeachtet der Kontroversen bleibt Arno Breker ein faszinierendes Kapitel in der deutschen Kunstgeschichte, dessen Erbe weiterhin Diskussionen über Kunst, Politik und Ethik anregen wird. Aus meinem Blickwinkel ist er einer der vielen Künstler, dem viel Unrecht getan wurde. Wenn ich mir die Gesellschaft heute anschaue, dann mache ich mir so meine Gedanken und komme immer und immer wieder zu den selben inneren Botschaften, die mir sagen: GLAUBE NICHTS, PRÜFE ALLES! (künstlerische Freiheit)

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Szukalskis Stil kann als eine Mischung aus Symbolismus, Expressionismus und Surrealismus beschrieben werden. Seine Werke zeichnen sich durch eine beeindruckende Detailtreue und eine intensive emotionale Tiefe aus. Beeinflusst von polnischer Folklore, Mythologie und alter Geschichte, schuf er Kunstwerke, die die kulturelle Identität, vor allem Europas, einfingen. Er besann sich auf alte Kulturen und deren Geschichte und Philosophie. Genauso wie auch für viele andere herausragende Künstler seiner Zeit, schien dies ei großes Thema gewesen zu sein. Die Menschheitsgeschichte und diverse Hintergründe beschäftigten ihn und ließen ihn diese fantastischen Skulpturen und Malereien, sowie Zeichnungen gestalten. Die extremen Formen der Körper und dessen Stärke, machen seine Arbeit aus.

In den 1920er und 1930er Jahren erlangte Szukalski internationale Anerkennung. Seine Werke wurden in Ausstellungen in Europa und den Vereinigten Staaten gezeigt. Insbesondere in den USA fand er zahlreiche Bewunderer. Seine Skulpturen, oft von monumentaler Größe, beeindruckten durch ihre kraftvolle Ausdrucksform nicht nur Künstlerfreunde und Sammler.

Das Leben von Szukalski war jedoch nicht nur von künstlerischem Erfolg geprägt. In den 1940er Jahren geriet er aufgrund seiner politischen Überzeugungen in Schwierigkeiten. Seine Bewunderung für den polnischen Nationalismus führte dazu, dass er in den USA isoliert wurde, und seine Karriere erlitt einen Rückschlag. Erst Jahre später, in den 1980er Jahren, wurde sein Werk erneut gewürdigt, als eine neue Generation von Künstlern und Kunstkritikern seine Bedeutung erkannte.

In den letzten Jahren, nach seinem Tod 1987, hat eine Wiederentdeckung seines Schaffens stattgefunden. Kunstliebhaber und Sammler schätzen die Einzigartigkeit seiner Werke, während Kunsthistoriker seine Rolle in der polnischen Kunstgeschichte neu bewerten. Sein Einfluss auf die zeitgenössische Kunstszene ist spürbar, und seine Werke werden in renommierten Galerien und Museen weltweit ausgestellt.

Stanisław Szukalski war zweifellos ein Meister seines Fachs und ein Künstler, dessen Werk sowohl von seiner kulturellen Verbundenheit als auch von seinen persönlichen Überzeugungen geprägt war. Seine einzigartigen Skulpturen und Gemälde erzählen Geschichten, die weit über ihre ästhetische Schönheit hinausgehen. Die Wiederentdeckung und Anerkennung von Szukalskis Beitrag zur Kunstgeschichte verdeutlicht, dass sein künstlerisches Erbe auch für zukünftige Generationen von großer Bedeutung ist.

In den 1960er Jahren begann die künstlerische Reise des Amseln Kiefers und war Teil der bedeutenden Neoexpressionisten-Bewegung in Deutschland. Sein Lebens-Werk reflektiert seine intensive Auseinandersetzung mit Geschichte, Mythologie und existenziellen Fragen, dem Universum, dem sein und vielen Dingen mehr, welche in die allgemeine Metaphysik einzuordnen sind. Beeinflusst von deutschen Romantikern, Philosophen der Antike, der antiken Mythologie, schuf er schon früh Werke von beeindruckender Intensität und visueller Tiefe.

Ein beeindruckendes Beispiel ist das Gemälde „Resurrexit“ von 1973, das den blutgetränkten Teutoburger Wald mit ewigen Flammen zeigt, während Satan in Form einer Schlange und eines Unendlichkeitssymbols kriecht. Kiefer lässt hier die Doppeldeutigkeit der Flammen – zerstörend und reinigend zugleich – in seine Kunst einfließen. Dieses Motiv der Flammen und ihre Bedeutung faszinieren Kiefer bis in die Gegenwart, manifestiert in Werken wie „Athanor“, wo das kosmische Feuer der Alchimisten wieder auflebt.

Die Verbindung von allem mit allem, im Universum und die Vergänglichkeit sind zentrale Themen, die Kiefer in seinen Werken anspricht. Von den umstrittenen Kapiteln der Geschichte bis zu den tiefen philosophischen Überlegungen über das Universum, hat Anselm Kiefer einen reichen und tiefgründigen Beitrag zur zeitgenössischen Kunst geleistet. Und doch hat man das Gefühl er würde etwas wichtiges mit Absicht verschweigen. Eine Art Botschaft die in seinen Werken versteckt ist und worüber er nicht spricht. Nur so ein Gefühl.

Ein zentrales Thema in Kiefers Werk ist die Symbolik und die Auseinandersetzung mit der deutschen Geschichte, insbesondere mit dem Nationalsozialismus. Seine Werke dienen als kraftvolle Kommentare zu politischen und sozialen Fragen. Dabei verwendet er Symbolik, die oft auf mythologischen Figuren und literarischen Werken basiert, um universelle Themen von Zerstörung, Erinnerung und Wiedergeburt zu erforschen.

Kiefers Einfluss erstreckt sich weit über die Grenzen Deutschlands hinaus, internationale Anerkennung und Ausstellungen prägen sein Leben. Seine Werke werden in renommierten Museen und Galerien weltweit ausgestellt. Internationale Anerkennung erhielt er nicht nur für seine künstlerische Virtuosität, sondern auch für die Tiefe seiner intellektuellen Auseinandersetzung mit historischen und kulturellen Fragen.

Trotz seiner oft düsteren Thematik trägt Kiefers Kunst eine zeitlose Relevanz. Seine Werke fordern den Betrachter heraus, sich mit der Geschichte auseinanderzusetzen und regen zu persönlichen Reflexionen an. In einer Ära, in der die Auseinandersetzung mit der Vergangenheit von entscheidender Bedeutung ist, bleibt Anselm Kiefer ein fesselnder Künstler, dessen Werk eine Brücke zwischen Geschichte und Gegenwart schlägt.

Anselm Kiefer ist zweifellos einer der herausragenden Künstler der zeitgenössischen Kunstszene. Seine Fähigkeit, monumentale Kunstwerke mit tiefgreifender Symbolik zu schaffen, hat ihn zu einem Schlüsselfiguren in der Kunstgeschichte gemacht. Sein Erbe wird weiterhin Generationen von Künstlern und Kunstliebhabern inspirieren, während seine Werke eine kraftvolle Erinnerung an die Komplexität menschlicher Erfahrung und Geschichte darstellen.

Tipp

„Das rauschen der Zeit“ ein Film über Anselm Kiefer und von Wim Wenders. Ein wahnsinnig interessanter Dokumentationsfilm über das Leben und denKünstler Anselm Kiefer. Ich  kann nurempfhelen diesen in 3D zu schauen. Es wird Euch umhauen. Man hatdas gefühl man ist vor Ort  und kann diese übergroßen Werke Kiefers anfassen und riechen. Einfach toll!